Il Diavolo veste Zara

NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE

C’è un filo sottile che lega la fiaba de La Bella Addormentata, i film horror, il lavoro di Madame Gres e le sculture di Pablo Atchugarry. È un filo che ha il colore del sangue e della purezza, che increspa i tessuti, ritaglia le forme, racconta una storia. La storia di un bambino che disegnava sontuosi abiti da ballo per bambole di carta. Marius Janusauskas ha iniziato creando micro collezioni in Lituania, si è laureato alla Royal Acedemy of Fine Arts di Antwerp e si è affermato con la collezione Sleeping Beauties che gli è valsa il prestigioso Diesel Award, un premio istituito da Renzo Rosso per promuovere giovani talenti emergenti. Marius è per molti un genio-in-progress della moda, per me è un giovane stilista talentuoso che crea favolose silhouette e abiti Avant garde, straordinariamente eleganti nella loro semplicità. Nel suo lavoro, fatto di dettagli maniacali, linee pulite ed evanescenti leggerezze, c’è l’eco di alcuni grandi nomi della moda, da Miuccia Prada a Riccardo Tisci, da Dries Van Noten a Raf Simmons, ma anche un tocco del tutto personale, piacevolmente inquietante.

Cosa è per te la moda?
È il mio lavoro e la mia passione.

Sei nato in Lituania, di certo non un posto rinomato per la moda… Come è entrata nella tua vita?
Sapevo che sarei diventato uno stilista sin da quando ero molto giovane. Persino da bambino nutrivo un particolare interesse per l’abbigliamento. Probabilmente l’ho ereditato da mio nonno, che era un sarto conosciuto e rispettato. Credo che ogni persona, in un modo o nell’altro, finisca per ritrovarsi nel luogo a cui appartiene. La moda è la mia casa.

Quanti anni avevi quando hai iniziato a interessarti di moda?
Ho iniziato a sei anni, ero impegnatissimo a fare disegni di bellissimi abiti per le bambole di carta delle mie fidanzatine! Ma il vero interesse per la moda è sbocciato durante la mia adolescenza, quando ho iniziato a creare le mie micro collezioni di abbigliamento e a presentarle durante piccole fiere nelle mia città natale.

Parlami della tua collezione P/E 2013: La Bella addormentata. Un nome evocativo per abiti onirici…
La collezione ruota attorno all’idea del rispetto: una ragazza decide di sacrificarsi cadendo in un sonno eterno. Questa donna eterea rimane in questo immobilismo per un’era. I suoi colori vitali sono scomparsi, si trova in una sorta di limbo, di regno dei non-morti. L’unico segno vitale è il suo sangue che scorre sui suoi abiti, è intrappolata nel tempo, un tempo che scorre tra le pieghe dei vestiti. La sua schiena è fredda, lineare, asettica. Mentre il suo corpo è pieno di promesse, celato nelle sue forme dai corsetti. Pazientemente aspetta di essere svegliata da un principe… Una bestia (un vampiro), un vecchio, persino una giovane donna o un vecchio uomo.

Sono molto impressionata, colori, materiali, dettagli, tutto è estremamente accurato. Quanto lavoro richiede un capo?
Ogni dettaglio, ogni scelta è fatta in relazione a un accurata ricerca e in sintonia con il concept della collezione. Disegnare i pezzi originali richiede molto tempo, correggere le forme e ottenere le proporzioni adatte richiede un lungo lavoro, al contrario la produzione è un processo molto rapido.

Sei stato inspirato da…
Ho trovato l’ispirazione nella purezza, nella sincerità e nell’originalità Il più delle volte sono spinto dalle persone e dalla loro creatività. Ma di solito l’ispirazione originale arriva dall’arte, dalla letteratura, dalla musica e dal cinema.

Come vedi la moda del futuro?
A parte il fatto che le produzione di abiti è arrivata al punto dove quasi tutto è possibile a tempo zero, spero che i consumatori del futuro diventino più attenti, scrupolosi e consci dei prodotti. La sostenibilità dovrebbe assumere un’importanza maggiore.

Hai vinto molti premi… Pensi che la prossima generazione di talenti della moda arriverà dall’Europa dell’Est?
Credo che la moda tradizionale, quella identificata con paesi precisi, richieda gli stessi standard qualitativi a ogni nuovo stilista, non importa da dove provenga. Io mi sono laureato alla Royal Academy of Fine Arts di Antwerp, dove gli studenti hanno tutti le stesse opportunità, indipendentemente dalla loro nazionalità.

Il peggior pregiudizio con cui ti sei scontrato…
Fortunatamente nessuno.

La più grande soddisfazione?
Ogni volta che vedo persone ispirate dal mio lavoro. Questi momenti non hanno prezzo.

Se non fossi diventato uno stilista, saresti…
Probabilmente un collezionista o un pilota.

L’eleganza è…
Mostrare sempre il lato fotogenico.

Cosa odi e cosa ti piace del tuo lavoro?
Non c’è spazio per l’odio nel mio cuore. Mi piace il lavoro quotidiano: fare vestiti, creare accessori, provare tessuti inusuali, incontrare belle persone e molto altro.

A GIRL IN WONDERLAND

There is a thin red line that ties the Sleeping Beauty fairy tale, horror movies, the work of Madame Gres and sculptures by Pablo Atchugarry. It is a blood-and-pureness colored thread, that undulates fabrics, shapes figures, tells a story. The story of a child who drew lavish gowns for paper dolls. Marius Janusauskas started his career creating capsule collections for small events in his hometown in Lithuania, got his MA degree at Royal Acedemy of Fine Arts Antwerp and reached the top, conquering the Diesel Award (a prize that promotes young, emerging talents) with Sleeping Beauties collection. For many, Marius is a fashion genius-to-be. I think he’s a young talented designer who creates amazing silhouettes and Avant garde clothes, extraordinarily elegant. In his work, made by obsessive details, clean lines and vanishing lightness, there is the echo of fashion icons such as Miuccia Prada, Riccardo Tisci, Dries Van Noten and Raf Simmons, but also a personal touch, pleasantly unsettling.

What is fashion for you?
It is my work and my passion.

You were born in Lithuania, not a place well known for fashion… How come fashion burst into your life?
I knew that I want to become a fashion designer from young age. Even as a child I had exceptional interest in clothing. Probably I have inherited it form my grandfather who was highly respected tailor. I believe that every person in one way or another ends up in the place he/she belongs. Fashion is my home.

When did you start to be interested in fashion?
It started at age of six; I was very busy making drawings of beautiful gowns to paper dolls by requests of my girlfriends. Real interest in fashion started at my teenage period, when I started creating mini womenwear collections and presenting them at small events in my hometown.

Tell me something about your S/S collection, Sleeping Beauty. An elegiac name for imaginative clothes…
The collection is based upon the idea of deference: a girl is willing to make a sacrifice by falling into an eternal sleep in order that a woman may be awoken. This perfectly passive woman remains still throughout an era. Her vital colors are vanishing; she is turning into the undead. The only sign of life is her blood running through the stitches of her garments, she is trapped in time; time that is pleated into the front of her dresses. Her back is cold, minimal, clinical. Although her body is full of promise, beneath her dress is a form constricted by corsets. Submissively, she waits to be awoken by a prince… A beast (a vampire), an elder, even a young woman, or an old man.

I’m really impressed, colors, fabrics, details, everything is really accurate.
How long did it take to create a single outfit?
Every detail, every choice is made according to profound research and atmosphere of the collection. Designing first original piece takes the most: correcting desirable shape and looking for the right proportions could be time consuming, but production itself is fast process.

Have you been inspired by…
I find inspiration in purity, sincerity and originality. Mostly I am moved by people and their creativity. I look for original inspiration in art, literature, music and movies.

How do you see fashion in the future?
Despite the fact that clothing production has reached the point where almost everything is possible in no time, I hope fashion consumers will be more fashion-educated and conscious about products in future. Sustainability should be taken into account.

You won tons of prizes and awards… Do you think the next talented generation of fashion designer would come from the Eastern Europe?
I believe that Western Fashion system has same standards for every new Fashion Designer no matter where he/she is coming from. I have got MA degree at Royal Academy of Fine Arts Antwerp where all students had same chances no matter which nationality they were.

The worst prejudice you struggled against…
Luckily, I don’t have any.

The most remarkable satisfaction?
Every time I feel joy seeing people get inspirited by my work. These moments are priceless.

If you hadn’t become a fashion designer… you would have been…
Probably I would be a collector or a pilot.

Elegance is…
Always showing the photogenic side.

What do you hate and what do you like most about your job?
There is no space for hate in my heart. I enjoy fashion on daily basis: elaborate clothing, creative accessories, experimental textile, beautiful people and much more.

PENSA POSITIVO!

In un mondo sottosopra, dove dominano le tinte fosche della crisi economica, è bello vedere che c’è ancora spazio per la gioia. Merito di Anna Pałubicka, una designer e artista polacca, che mi ha strappata alla monotonia dello spread e alla bagarre socio-politica italiana. Colori vibranti, accostamenti decisi, le creazioni di Anna, firmate 10 Decoart, ti conquistano. Piene di contrasti si declinano secondo la filosofia high↔low, che prevede il mix & match di materiali assolutamente eterogenei ed equidistanti tra di loro: pietre semipreziose e comuni perline, ceramiche e catenelle dorate, vetri di Murano e cristalli Swarovski, semplici cordini in cotone e opulenti fiocchi di velluto. Il risultato finale sono composizioni ricche, succulente, favolosamente stravaganti, garbatamente sorprendenti e immancabilmente belle.

Dimmi qualcosa di più sulla filosofia di 10 Decoart.
Al momento la filosofia del brand è il divertimento, ricercato attraverso colori, forme, materiali. Il risultato è un prodotto di gioielleria pieno di vita ed energia. Ma è anche una continua evoluzione stilistica, legata alla ricerca e all’uso di nuovi materiali. Il successo di 10 Decoart è nei suoi modelli originali, nelle sue straordinarie combinazioni di colore e nel suo rivoluzionario concetto di prodotto sviluppato in un’ottica high↔low. Nei miei lavori uso una notevole varietà di materiali: metallo rivestito d’oro, argento, pietre semi-preziose, vetro di Murano, cristalli Swarovski, seta, pelle e legno, plexiglass, fettucce di cotone, ceramiche e molto altro. Ogni singolo pezzo è fatto a mano. Mi occupo personalmente della qualità e dell’accuratezza nella realizzazione.

Quando hai iniziato?
Nel 2006 e da allora ho gestito la mia galleria personale nel Vecchio Mercato di Poznań, in Polonia.

Parliamo della collezione primavera/estate 2013, qual è il tema principale?
Sono sempre stata ispirata dalla moda e dal design. La collezione primavera7estate 2013 sarà la “collezione floreale”, con rose e cristalli Swarovski. Sono stata influenzata dai giardini botanici, dai profumi e dai fiori. In questa collezione ho usato i colori degli smeraldi, i blu e i verdi. La seconda linea è molto alla moda e basata su linee e forme geometriche, ispirata agli anni ’60. Fatta di plexiglass, legno ed elementi Swarovski.

Chi è la tua cliente tipo?
Creo una linea di gioielleria che possa soddisfare i desideri individuali, pensata per persone a cui piace qualcosa di insolito indipendentemente dall’età.

Dove si possono acquistare i tuoi gioielli?
Nella mia galleria, sul mio sito www.10decoart.com, e abbiamo anche alcuni modelli presso Mikiku Brainstore, in Corso Garibaldi 11/c a Pavia. A breve aprirò anche un sito di e-commerce.

Qual è la cosa più difficile per un giovane designer emergente?
La Polonia è un mercato relativamente giovane, fino a poco tempo fa non c’era neppure il concetto di gioielleria di design. La difficoltà più grande è catturare l’attenzione di chi conta nel settore, giornalisti e designer o stilisti conosciuti.

Quali sono i tuoi progetti per il futuro?
Vogliamo aprire un sito di e-commerce e approdare a Berlino. Sarebbe fantastico riuscire a iniziare una cooperazione fruttuosa con un’azienda in Italia, che è il nostro sogno.

THINK POSITIVE!

In an upside-down World, in which prevail the dull colors of the economic crisis, it’s wonderful to see there is still space for happiness. Thanks to Anna Pałubicka, a Polish designer and artist, who pulled me out the tedium about the Italian Election-Day carousel. Vibrant colors, strong combinations, Anna designs’, known as 10 Decoart conquer you. Full of contrast, they develop themselves through the high↔low philosophy, that combines heterogeneous and equidistant materials: semi-precious stones and common beads, ceramics and golden small chains, Murano glass and Swarovski crystals, humble cotton strings and lavish velvet ribbons. The final result are rich, juicy compositions, fabulously peculiar, politely amazing and, without fail, beautiful.

Tell me more about 10 Decoart philosophy.
The brand philosophy is actually having fun with colors, shapes, materials. The result is a lively, optimistic jewelry. It is also a continuous stylistic development connected with searching and using of new materials. 10 Decoart’s success is attributed to its original designs, its extraordinary color combinations and its revolutionary high↔low concepts. In my projects I use a variety of materials: gold plated metal, silver, semi-precious stones, Murano glass, Swarovski crystals, silk, leather and wood, plexiglass, cotton strings, ceramics and others. All of my designs are hand-made. I take care about quality and accuracy of execution.

When did you start?
I have started in 2006 and since then I run my own gallery and shop at the Old Market in Poznań.

Let’s talk about S/S 2013 collection, which is the main theme?
I have been always inspired by fashion and design. SS/2013 It will be the “Floral collection” with roses and Swarovski crystals. I have been inspired by botanical gardens, by smells of flowers. In this collection I use colors of emerald, blue and green. Second line is a very fashionable geometric collection, inspired by 60’s. Made of plexiglass, wood and Swarovski components.

What kind of woman is your customer?
I create a customized and satisfying-individual-needs jewelry. I make it for people who like the unusual and beautiful things, regardless of the age.

Where we can buy your jewels?
In my gallery, on the corporate website http://www.10decoart.com, we have also few models in Mikiku Brainstore, Corso Garibaldi 11/c Pavia, Italy. Then I will open soon my own e-shop.

What is the most difficult thing for a young designer?
Poland is still a young market, until recently there was not actually the concept of fashion jewelry. The biggest problem is to reach opinion leaders, well-known and respected fashion designers and stylists.

Which are your projects for the upcoming future?
We want to start an online store and we want to achieve Berlin with our collections. It would be really great if we would be able to established fruitful cooperation with a company in Italy, which is our dream .

SU IL CAPPELLO!

Il fatto che ripari dal freddo è un effetto collaterale. Oggi il cappello è un biglietto da visita, un tratto del proprio stile personale al pari di una borsa o un paio di scarpe. Estrosi, audaci, eccessivi, stravaganti, la moda ci ha abituato a copricapi-scultura, vere e proprie opere di ingegneria sartoriale. Una volta qualcuno disse che per indossare un cappello ci vuole una tete à chapeau, una testa da cappello, che in parole povere significa: personalità e disinvoltura. Il segreto è abituarsi a indossarne uno, poi non se ne potrà più fare a meno. A me è successo con i modelli di Hats Etc., cappelli pensati su misura per clienti con uno spiccato senso per il bello. Dietro la firma si celano Alan White e Barry Moss che da Ottawa Valley, Canada, vestono le teste blasonate di mezzo mondo. Che siate alla ricerca di un pezzo Couture, disegnato esclusivamente per voi, o di un cappello-à-porter per tutti i giorni, qui troverete il modello giusto. E se siete ancora un po’ titubanti e intimidite da tutte quelle piume, dai fiocchi, dai colori vibranti, dai riccioli e dalle volute, la linea Fascinator è il giusto compromesso. Balenciaga, Dior, Chanel, Givenchy, Elsa Schiaparelli, le citazioni degli anni d’oro dell’eleganza sono ovunque, presenti nei dettagli, nei materiali, nei disegni e soprattutto nel cuore di Alan e Barry.

Hai lavorato come graphic designer e il tuo socio nel design di interni. Perché vi siete interessati ai cappelli?
Ho lavorato come graphic designer per diversi anni a Londra e stavo collaborando con un amico della Nuova Zelanda. Lui era un acconciatore e stava mettendo insieme un portfolio di lavori di tendenza per trovare lavoro. Io facevo le foto e un giorno abbiamo deciso che avrei creato un cappello con un buco in cima attraverso cui i capelli potevano uscire e ricadere sulla falda, i capelli divennero una parte integrante del cappello. Alcuni amici videro il risultato finale e mi ritrovai con diversi ordini tra le mani. Ecco come è iniziato tutto. Era verso la fine degli anni ’80 e i cappelli stavano tornando molto di moda grazie a Diana, la Principessa del Galles. Poi mi sono concesso un periodo di pausa e ho viaggiato intorno al mondo. Quando ho incontrato il mio compagno siamo tornati in Inghilterra e abbiamo ricominciato a produrre cappelli nel 2001.

I vostri cappelli sembrano sculture fatte di seta, fiori e piume. Mi ricordano quelli di un altro famoso cappellaio, Philip Treacey. Siete stati ispirati in qualche modo dal suo lavoro?
Penso che tutti i cappellai di oggi siano stati ispirati dalle meravigliose creazioni di Philip Treacey. Credo che i cappelli di Philip Treacey siano così particolari che è facile finire per creare cappelli che assomiglino un po’ troppo ai suoi. Sicuramente ci sono stati molti cappellai prima di lui che hanno ispirato molto il mio lavoro. Stephen Jones, un cappellaio inglese che è stato sulla scena a partire dai tardi anni ’80, Schiaparelli nei lontani anni ’30 e ’40, e ancora prima se pensiamo ai cappelli del tardo 19mo inizio 20mo secolo.

Quanto tempo ci vuole per creare un cappello?
Varia molto. Alcuni cappelli richiedono un paio di giorni, altri possono prendere forma in una settimana, dipende dal materiale con cui sono fabbricati. I cappelli che hanno parti o elementi particolarmente strutturati richiedono procedure particolari come la vaporizzazione, la distensione, il fissaggio e l’asciugatura che richiedono tempo.

Ho letto che create “cappelli personalizzati”, è un approccio molto interessante soprattutto perché viviamo in un mondo dove quasi tutto è fatto in serie. Qual è la richiesta più strana che avete mai ricevuto?
Quando vivevo a Londra ho fatto dei lavori per la televisione e il teatro ed è stato molto interessante. Ho creato diversi cappelli per lo Shakespeare tour di Peter Bogdanovich che richiamavano differenti periodi storici. Ho realizzato un paio di cappelli in stile militare ispirati all’epoca delle guerre napoleoniche (tardo 18mo secolo) fino ai cappelli degli anni ’40. È molto interessante realizzare modelli “storici”, ricercare lo stile di un determinato periodo e ricrearlo utilizzando materiali disponibili oggi, ma mantenendone l’aspetto tipico.

Facciamo un gioco. Sapete che noi abbiamo avuto forse il Primo Ministro più imbarazzante e improbabile di tutte le democrazie occidentali, Silvio Berlusconi. Quale cappello sarebbe perfetto per lui?
Ovviamente Silvio Berlusconi è ben conosciuto ovunque in Europa… Per lui sarebbe perfetto un modello “fedora”. Un cappello con una falda molto larga… potrebbe nascondere il suo viso con la falda e celarsi a tutti quei paparazzi che lo seguono passo a passo.

Ma abbiamo anche motivi di orgoglio: Sophia Loren, Rita Levi Montalcini, Roberto Benigni, Cristoforo Colombo, Guglielmo Marconi, Anna Magnani, Monica Bellucci… Se poteste scegliere una “testa” famosa per promuovere il vostro marchio, chi scegliereste?
Parlando d’Italia sicuramente Sophia Loren! Lei è stata per molti anni un’icona così importante per la moda. Ma ce ne sono tante altre… Bette Davis, Katherine Hepburn, Audrey Hepburn, la lista è molto lunga. Noi abbiamo tratto ispirazione per i nostri cappelli dai film degli anni ’30, ’40 e ’50, un periodo in cui la moda adulava e vezzeggiava la figura femminile e i cappelli erano un elemento molto importante per completare un look. C’erano designer del calibro di Christian Dior, Balenciaga e Givenchy. Oggi un’icona moderna è senza dubbio la Duchessa di Cambridge, ogni cappellaio vorrebbe disegnare un cappello per lei!

Viene prima il cappello o il vestito?
Dipende. Noi abbiamo clienti che ci hanno commissionato e comperato cappelli e poi hanno trovato l’abito perfetto con cui abbinarli, penso sia un grande complimento! Molte donne hanno già un vestito per un’occasione speciale e vogliono che noi disegniamo e creiamo un cappello che si abbini. Molti dei nostri modelli, per esempio, sono stati fatti per le mamme delle spose, in Gran Bretagna questo è un incarico molto importante per un cappellaio.

Come si indossa un cappello?
Mi piacciono i cappelli che si indossano calati leggermente sul davanti, con una falda un po’ abbassata a nascondere un occhio, danno un aria misteriosa!

In Italia cappelli così sontuosi ed eccentrici non sono molto comuni. Avete anche una linea “prêt-à-porter”?
In aggiunta alla nostra linea “su misura”, che si ispira all’Haute Couture, abbiamo anche una collezione di cappelli più convenzionale, pensata per occasioni specifiche. Riprendono in tutto e per tutto quello che è il nostro stile distintivo, hanno un’allure contemporanea e sono rifiniti a mano con belle piume, sete e canapa di abacà. Si tratta soprattutto di cappelli da cerimonia, usati dalle madri delle spose, ma anche da chi frequenta le corse di cavalli, come Royal Ascot, oppure i campionati esclusivi di polo, dove le donne devono indossare cappelli più formali.

Avete molti client famosi?
Non tanti come vorremmo! Da quando viviamo a Ottawa siamo stati incaricati di realizzare cappelli per la moglie dell’Alto Commissario del Governo Inglese in Canada e, nel 2011, abbiamo realizzato un cappello per la moglie del Governatore Generale in occasione della visita di stato del Principe William e della Duchessa di Cambridge, che hanno partecipato alle celebrazioni per il Canada Day. È stato davvero emozionante vedere il nostro cappello sfilare sulla carrozza aperta a fianco della Duchessa di Cambridge!

PUT YOUR HAT ON!
The fact that it protects from the cold is a “collateral effect”. Nowadays a hat is a business-card, a feature of one’s own personal style, like an it-bag or a pair of shoes. Bold, imaginative, lavish, peculiar, fashion gets us used to sculptural head wear, out and out bespoke pieces of art. Once upon a time someone said a “tete à chapeau” was required to wear an hat, in short: personality and self-confidence. The secret is getting used to wearing one, then you cannot do without. It happens to me with Hats Etc. models, customized hats for clients with a strong sense of beauty. Behind the brand designers Alan White and Barry Moss who, from Ottawa, Canada, put their designs on the crowned heads of blue bloods, super-rich and powerful people of the world. Even if you are looking for a bespoke piece or for an everyday-every occasion hat-à-porter, you will find the right model. And if you feel doubtful or slightly intimidated by all those plumes, ribbons, vibrant colors and curly spirals, the Fascinator collection is the right balance. Balenciaga, Dior, Chanel, Givenchy, Elsa Schiaparelli, you could taste the “golden age” of elegance everywhere: between the details, in the fine fabrics, into the designs and, above all, in Alan and Barry’s fashionable hearts.

You were a graphic designer and your co-founder has worked in interior furnishings. Why have you turned your heads towards hats?
I had worked as a graphic designer for several years in London and was working with a friend from New Zealand. He was a hair dresser and was putting together a portfolio of fashionable hair designs to get work for himself. I was taking the photographs for that portfolio and one week we decided I would make a hat with a hole in the top through which the hair could be pulled and laid on top of the brim, the hair became an integral part of the hat. Friends of mine saw the end result and a couple of people commissioned me to make hats for them. That’s how it all started. It was in the late 1980s and hat were making a huge resurgence because of Diana, Princess of Wales. I had a break while travelling around the world. When my partner and I met and returned to UK for a period we started making hats again in 2001.

Your hats look like sculpture made of silk, flowers and plumes. They remind me another famous milliner, Philip Treacey. Have you been inspired in some ways by his job?
I think all milliners working today have been inspired by the wonderful hats of Philip Treacey. I think Philip Treacey’s hats are so distinctive it is easy to end creating hats which look too alike to his. There have been many milliners before him who have inspired me more, I think. Stephen Jones, a British milliner who has been around since the late 1980s, Schiaparelli back in the 1930s and 40s, and before that, looking at hats from the late 19th century early 20th century.

How long it takes to create an hat?
It varies a lot. Some hats take a couple of days, others can take up to a week depending on what they are made of. Hats that are blocked on wooden blocks require steaming, stretching, blocking, and drying which all takes time.

I read you create “customized hats”, that sounds very interesting in a World where almost everything is made in series. Which is the oddest request you have ever had?
I did some work when I lived in London for television and theatre, which was very interesting. I created several hats for a Peter Bogdanovich Shakespeare tour from different periods in history. A few military style hats from the time of the Napoleonic wars (late 18th century) through to hats from the 1940s. It is very interesting making “period” hats – researching the styles of that period and then creating them in materials available today, but retaining the look of the period.

Let’s play. You know we have had one of the most unlikely and embarrassing Prime Minister in the story of Europe, Silvio Berlusconi. Which hat would suits him?
Obviously, Silvio Berlusconi is very well known throughout Europe… I would say a fedora for him. With a large brim… he could shade his face with the brim from all those paparazzi photographers who follow his every move.

But we have also people to be proud of, such Sophia Loren, Rita Levi Montalcini, Roberto Benigni, Cristoforo Colombo, Guglielmo Marconi, Anna Magnani, Monica Bellucci… If you could choose an “head” to promote your brand, it would be…
From Italy I would have to say Sophia Loren! She has been such an icon for the fashion industry for many years. But then there are so many… Bette Davis, Katherine Hepburn, Audrey Hepburn, the list is very long. We have taken a lot of inspiration for our hats from the movies of the 1930s, 40s and 50s – a period when fashion flattered and complimented the female figure, and hats were a very important element to finish off an outfit. With designers like Christian Dior, Balenciaga, and Givenchy. For present day I would have to say the Duchess of Cambridge. Every milliner would love to design hats for her!

Do you think it comes before the hat or the dress?
It depends. We have had clients who have commissioned or bought hats from our collections first and then found an outfit to go with it, this is a great compliment I think! Most women already have their outfit for a special occasion and want us to design and make a hat to go with it. Much of our work has been for the mother of the bride. Particularly in Britain, this is an important task for a milliner.

Which is the perfect way to wear an hat?
My preference is for hats to be worn slightly forward with a brim dropping down slightly over one eye, it adds a sense of mystery!

In Italy such lavish hats are not so common, but you also have a “prêt-à-porter” collection. Could you tell me something more about it?
In addition to our “bespoke range” we have an “occasion wear” range of hats, blocked to our specification, in contemporary styles, we hand-finished these with fine feathers, silks and sinamay. These are the hats most mothers of the bride order, but also for race goers, like Royal Ascot, and we have had hats bought for exclusive polo matches where women have to wear formal hats.

Do you have many famous clients?
Not as many as we would like! Since living in Ottawa we have been commissioned to make hats for the wife of the British High Commissioner to Canada, and in 2011 we were honoured to make a hat for the wife of the Governor General for the state visit of Prince William and the Duchess of Cambridge, who attended the celebrations for Canada Day. It was very exciting to see our hat in the open carriage alongside the Duchess of Cambridge!

LA SOSTENIBILE LEGGEREZZA DEL BELLO

A volte sono le piccole cose a sorprenderci. Sono i dettagli a catturare la nostra attenzione. Piccoli tocchi sapienti che trasformano la moda da piacere passeggero a oggetto duraturo. I ricordi e la memoria di una terra lontana affiorano nei gioielli di Alpa Patel, accessori audaci dove lo spirito dell’Africa si combina con l’Art Deco. Creazioni opulente fatte di nastri, metallo, gemme, pelle, tutti sapientemente mescolati insieme, in un sottile gioco di equilibrio tra il vecchio e il nuovo. Abituata, sin da piccola, a vivere con risorse limitate, Alpa, nata in Tanzania, ha viaggiato in lungo e in largo prima di approdare a Melbourne. L’idea di rendere perenne ciò che per natura non lo è, di riportare all’antico splendore pezzi vintage, di creare qualcosa di nuovo da qualcosa di vecchio, emerge prepotente nella collezione Heirloom, lanciata nel 2010 durante la Swahili Fashion Week. Il rispetto per la storia della sua terra, per la bellezza della natura e il mistero della vita traspare dalle parole di Alpa.

Raccontami qualcosa di te. Nativa africana, cittadina del mondo…
Sono nata e cresciuta in Tanzania, dove ho vissuto sino ai 21 anni. La mia terra natale ha sicuramente esercitato una grande influenza su di me. Molte persone potrebbero pensare che lo stile “africano” è sinonimo di “tribale”, ma non è vero. L’Africa è qualcosa che ha a che fare con la biologia, il colore, la sopravvivenza e la storia. La natura è molto simmetrica, come dovrebbe essere anche il design. Infondo il design è la mimesi della natura, altrimenti è solo qualcosa di folle e fine a se stesso. La natura ha delle regole, il design ha delle regole e l’Africa, per me, è stata il posto dove imparare le regole.

Da dove arriva l’ispirazione?
La mia ispirazione arriva da ogni luogo, Ho sempre bisogno di osservare e indagare costantemente il design. Questo è ciò che chiamo la mia ricerca. Mi piace il design pulito, degli anni ’30 e ’50. Il buon design è facile da individuare, non richiede una concentrazione maniacale. È un po’ come quando uno scienziato guarda dentro a un microscopio. Io non ho frequentato una scuola di design, ho dovuto fidarmi del mio sesto senso, di ciò che credevo fosse giusto o sbagliato, dei colori, delle linee, delle curve. C’è così tanto che affascina i miei occhi, in questo senso non mi ritengo una designer “snob”, offro una possibilità a tutto.

Se potessi creare un gioiello per una persona influente, chi sceglieresti?
Oggi il mio modello di riferimento è Miroslava Duma (Editor di Harper’s Bazaar Russia, blogger e decana di stile). Il suo senso per la moda è fortissimo ed è capace di tirare fuori dal guardaroba pezzi incredibili. Può indossare qualunque cosa e risultare sempre credibile, mi piacerebbe disegnare per lei un pezzo-icona. Immagino le mie clienti come donne che possono indossare pezzi-icona sentendosi a loro agio mentre sfoggiano modelli audaci come ciò che disegno.

Parliamo della tua nuova collezione. Potresti darmi un assaggio dei colori, delle forme e dei modelli?
Ho iniziato e poi re-iniziato la mia nuova collezione con il feltro come base di partenza. Ci sarà un pezzo-icona, che occuperà la parte centrale e poi il tema base scaturirà da quel modello. Ho raccolto alcuni pezzi vintage molto interessanti, che potrebbero aiutarmi a creare qualcosa di indossabile ogni giorno. Sto anche cercando di realizzare dei pezzi che non passino mai di moda, come un amico fedele. Mi piacerebbe creare qualcosa che si potrà indossare sempre. Ci sono poi tantissimi colori a contrasto e tante forme simmetriche perché mi aiuta a mettere i pezzi insieme.

Qual è il tuo pezzo preferito?
Si chiama Wattasid, il nome designa una dinastia regnante del Marocco, è un gioiello che mi ricorda gli spazi sterminati del deserto circondati dal cielo, la sabbia e un cespuglio solitario. Wattasid mi fa sentire libera e coerente con me stessa.

E la collezione attuale?
Questa collezione è tutta giocata sul costruire dei look utilizzando un pezzo-icona, che sia una spilla o una grande pietra, e costruendo intorno colori e materiali a contrasto ma che, una volta combinati, sono in armonia. Materiali diversissimi tra loro come la seta, il metallo, i lustrini, gli elementi industriali e persino i pomelli marocchini in ceramica…

Mai uscire di casa senza…
Non esco mai di casa senza la speranza di trovare qualcosa che mi ispiri e che possa aggiungere al mio repertorio. Esco sempre con l’idea che troverò qualcosa da inserire nei miei lavori, sia che significhi scoprire come qualcosa è costruito sia che significhi come inserire quel tipo di struttura nel mio lavoro.

Cos’è di cattivo gusto?
Penso che la creatività provenga dal fare errori. Niente è di cattivo gusto in senso assoluto, penso che ci sia sempre qualcosa in ogni cosa.

I tuoi progetti futuri?
Sto cercando un modo di incorporare I miei gioielli direttamente nei vestiti. Sto anche cercando di prendere i materiali direttamente dall’Africa e vorrei anche espandere la mia idea di gioielleria delle origini.

THE LIGHTNESS OF BEAUTY
Sometimes small things can surprise. Sometimes details can draw the attention. A small, skillful touch that turn fashion from a temporary pleasure into an enduring object. The memory and reminiscence of a far away Country surface from the jewels created by Alpa Patel: bold accessories that combine the spirit of Africa with Art Deco. Opulent, vintage-inspired chic designs that mix jewels and delicate details, such as ribbons, beads, leather and metal. Growing up in Tanzania, the Melbourne-based designer Alpa Patel learned to live with limited resources, and this have had a sharp effect on her approach to life, and travelled extensively. Both the sides helped her in developing an own worldly and eclectic sense of fashion, less fickle and more inclusive. Keen about vintage pieces, Alpa hit upon the idea to perennialise jewellery: creating something new from something old. She sources vintage jewellery from around the world and also fabricates some custom components with the purpose of bring them all together, in a multi-faces, multi-generational piece. This is extremely evident in the Heirloom collection, launched in 2010 during the Swahili Fashion Week. The respect for her own heritage, for the beauty of nature and the mystery of life shine through Alpa’s words.

Tell us something more about you…
I was born in Tanzania and grew up there. I lived there until I was 21. It was surely a great influence on me. A lot of people would think that an ‘African’ influence means a ‘tribal’ style, that’s not true. Africa is about biology, colour, survival and history. Nature is very symmetrical, just like design should be. After all, design should mimic nature, otherwise it’s just zany and done for its own sake. Nature has rules, design has rules and Africa for me has been the place to learn the rules.

Inspiration come from…
My inspiration comes from all places. I feel I need to constantly observe and detect design. That’s what I call my research, I guess. I like designs from the ‘clean-lines’ eras of the 30s through to the 50s. Some good design is easy to spot, others require concentration. It’s almost like a scientist looking into a microscope. Because I did not go to a conventional school to learn how to design, I’ve had to trust in my own sense of right and wrong, of colour, of lines and curves. So much appeals to my eye, so in that way I’m not a design snob, I’ll give anything a chance.

If you could create a jewel for a famous person, who would be and why?
My favourite person at the moment is Miroslava Duma (former editor of Harpers Bazaar Russia, fashion blogger and doyen of style). Her fashion sense is strong and for her stature, she can pull off a lot of incredible piece. She can wear anything and pull off a look; so I would love to make her a statement piece. I guess my client ought to be someone who can wear a statement piece, who is comfortable wearing something as bold as what I would design.

Your new collection: could you give me a taste of shape, colors and models?
I’ve started and then re-started my new collection with felt as a basis. It’s going to incorporate a showpiece which will take the central place and the design will flow around that. I’ve picked up some very interesting vintage bits that might help me focus on creating something more ‘everyday’ wearable. Also I’m trying to achieve pieces that will not go out of fashion, like a loyal friend. I’d like to focus on creating something that will always be wearable in fashion jewelry. There are a lot of contrasting colours in my new collection; and I stick to symmetrical shapes because it helps me put the pieces together.

Which is your favourite piece?
My favorite piece is Wattasid which for me resembles the jewel in desert surrounded by the sky, the sand, and a lone bush in the desert. For me Wattasid generates an emotion of being free and in line with myself.

Current collection…
This collection is all about ‘making’ the outfit – using a statement piece whether it is a brooch or large stone and incorporate colours and textures around that contrast but work harmoniously when combined. Material such as silk/metal/sequins/industrial elements/ceramic moroccan door knobs etc…

Never leave home without?
I don’t leave the house without hoping to find something inspirational to add into my repertoire. I always leave with the mindset that I should find something today that I can incorporate into my work. Whether it be trying to work out how something is constructed and trying to match that style of construction into my work.

Which is tasteless for you?
I think creativity comes from making mistakes. So nothing is tasteless for me there is something in everything.

Future Projects…
I’m trying to work out a way of incorporating my jewelry directly onto garments. I’m trying to source more material directly from Africa. I also want to expand my notion of full-circle jewelry.

L’ETICA DEL LUSSO

Può il lusso essere etico? Nonostante il paradosso, la risposta è sì. ABO London nasce dalla passione per la moda e l’arte di due designer kazake, Aliya Boranbayeva e Aizhan Bodanova. Nonostante la crisi e in barba alla delocalizzazione, Aliya e Aizhan decidono di produrre in Inghilterra e utilizzare esclusivamente tessuti naturali ed eco-friendly. Il risultato? Foulard dai colori vibranti, in seta purissima, impalpabili al tatto e amici dell’ambiente. Una scelta controcorrente che ha attirato l’attenzione dell’Ethical Fashion Forum e, nel 2012, ha inserito il marchio tra i finalisti del SOURCE Awards 2012, una sorta di Golden Globe globale per la moda sostenibile. Ma chi sono Aliya e Aizhan? E perché, oggi, una scelta così normale ci sorprende?

Come vi siete conosciute?
Io e Aizhan, l’altra co-fondatrice del marchio, ci siamo conosciute qualche anno fa a Londra. Ma veniamo entrambe da Almaty in Kazakhistan. Entrambe abbiamo avuto esperienze diverse, nei campi più disparati, dal marketing alle pubbliche relazioni, dallo sviluppo d’impresa alla comunicazione. Tutta questa esperienza e questo bagaglio di competenze ci ha aiutato ad avviare la nostra attività.

Lanciare un marchio dedicato ai foulard è insolito. Perché avete creato ABO London?
All’inizio abbiamo iniziato a creare diversi accessori artigianali, come gioielli, spille, piccoli oggetti per i capelli, ma poi abbiamo deciso di focalizzarci su un unico prodotto, i foulard. Io e Aizhan abbiamo le stesse idee sull’arte e la moda e lo scorso anno è nato ABO London. Abbiamo scelto di usare i miei schizzi per realizzare le trame dei foulard. Inoltre, fin da subito, volevamo che ABO London fosse identificato con il lusso, ma un lusso etico, prodotto interamente in Inghilterra. E questo ci ha ripagato. Il marchio è stato riconosciuto dall’Ethical Fashion Forum, una sorta di organismo che promuove una moda etica e amica dell’ambiente. Tutti i nostri prodotti, infatti, usano tessuti naturali al 100% e amici della pelle!

Siete state ispirate da una persona speciale?
Personalmente sono stata ispirata dai pittori impressionisti francesi, è per questo motivo che i miei disegni sono così colorati e intensi. Nella moda mi sento molto vicina ad Alexander McQueen, per le sue idee rivoluzionarie, a Vivienne Westwood per la sua etica e a Chanel per l’eleganza.

Una parola per descrivere la nuova collezione…
Ispirata. E unica…

Come sarà la primavera secondo ABO London?
Romantica, bella, colorata e ricca di eventi. Speriamo faccia caldo a Londra, perché così ci possiamo tutti vestire bene!

Qual è il pezzo della collezione P/E 2013 che una donna deve assolutamente avere?
Consiglierei il modello “Golden Temple –Japan”. È un enorme foulard in chiffon di seta, misura 135 cm per lato, le donne possono indossarlo in tanti modi diversi, persino come blusa o sarong. È leggerissimo e colorato e si abbina perfettamente con uno stile casual-chic. Perfetto per la primavera e l’estate. Per chi preferisce gli accessori meno vistosi, consiglio il classico foulard “London”, 90 cm per lato, con orli rifiniti a mano. Per questo modello abbiamo scelto una palette di colori che abbraccia tutte le tonalità del grigio e che lo rendono perfetto per l’ufficio. Una delle nostre clienti lo porta come una blusa e sotto le giacche nere è fantastico!

Se poteste scegliere una donna importante per indossare la vostra collezione, chi vorreste?
Kate Middleton. Abbiamo foulard molto classici che possono enfatizzare ancora di più la sua bellezza e la sua naturale eleganza. Ha un gusto fantastico e i nostri foulard si adatterebbero perfettamente al suo stile classico, ma contemporaneo.

Tre cose che vi piacciono del vostro lavoro…
Personalmente mi piacciono la libertà e la creatività. Posso mettere insieme i disegni che amo, i tessuti che preferisco ed essere il capo di me stessa. E poi la flessibilità che questo tipo di lavoro permette.

Una speranza per il futuro
Al momento sto aggiungendo nuovi prodotti alla linea ABO London. Spero che il marchio cresca in modo coerente e si sviluppi in tante direzioni, ma focalizzate sugli accessori.

THE ETHICS OF LUXURY
Can luxury be ethic? Despite the paradox, there’s only one answer: yes. ABO London comes into the world by the passion for fashion and arts of two Kazakhstan young ladies, Aliya Boranbayeva and Aizhan Bodanova. Despite the economic crisis and the outsourcing to exotic, far-away Countries, Aliya e Aizhan decide to produce in UK and create high quality, eco-friendly, limited-edition high-end luxury scarves made by natural fabrics. The outcome is vibrant colourful, pure silk scarves, impalpable, soft, enchanting objects of desire. A choice against the tide that has drawn the attention of the Ethical Fashion Forum. ABO London has been recognized by the former industry body for sustainable fashion and, in 2012, became one of the finalists of SOURCE Awards, the Global Awards for Sustainable Fashion. Well, who are Aliya e Aizhan? And why, nowadays, such a normal choice can be amazing?

How did you meet?
I and Aizhan, another co-founder, met few years ago in London. But we both originally from Almaty, Kazakhstan. We both have different backgrounds in marketing, PR, sales, business development and media communications. So all that experience and skills helped us to set up a business.

Launching a brand focused on scarves is unusual. Why did you create Abo London?
In the beginning we tried to do different hand-made accessories like jewellery, brooches, hair accessories, but then we decided to focus on one product like scarves. We had similar ideas about fashion and art and last year we decided to set up a brand, ABO London. We decided to use my artworks for designs of our scarves. Initially we saw ABO London as an ethical high-end luxury brand where we make everything in the UK. So that principal works. ABO London has been recognized by the Ethical Fashion Forum, the industry body for sustainable fashion. We use fabrics that are natural and skin friendly.

Have you been inspired by someone special?
I am inspired by French impressionists artists that’s why my paintings are so vibrant and colourful. In the fashion world I am inspired by designers like Alexander McQueen for his revolutionary fashion, Vivienne Westwood for her ethics and Chanel for her elegance.

A word to describe your new collection…
Inspirational. And unique…

According to ABO London, next spring will be…
Romantic, beautiful, colourful and full of events. Hopefully it will be warm in London, because then we can all dress up nicely.

Which is the piece of your S/S collection that women should absolutely have?
I would recommend “Golden Temple, Japan”. Its huge silk chiffon scarf, the size is 135×135 cm. Ladies can wear it in so many ways and even as a blouse and sarong. It is very light and colourful and will match nicely any casual look. It is perfect for spring and summer. But if you like less colourful accessories, I can recommend classical scarf “London”, size 90×90 cm, with hand rolled edges. It has very pale and soft greyish colours. The scarf will fit with any business look. One of our clients styles it as a blouse and it goes very well with black jacket.

If you could choose a powerful woman to wear your collection, who would be?
Kate Middleton. We have very classy silk scarves that can emphasise her natural beauty and elegance. She has excellent taste and our scarves can match very well her classy look.

Three things you like most about your job…
I like the freedom and creativity. I can put together the designs that I love, choose the fabrics that I want and be my own boss. At the same time the flexibility of my work is great.

An hope for the future
Currently I am adding new products to ABO London line. I hope that brand will grow organically and develop in many direction but will focus on accessories.